Как и большинство сегодняшних молодых актеров, Константина Хабенского сделал известным сериал. В 2003 году, уже после того, как «Убойная сила», сага из жизни ментов, прокатилась по стране, артист питерского Театра имени Ленсовета, ученик прекрасного театрального педагога Вениамина Фильштинского перебрался в Москву, в МХТ имени Чехова. Туда же, к Олегу Табакову, принимающему в труппу своего театра, кажется, всех, кого отметила народная любовь, устремились и товарищи Хабенского по спектаклям режиссера Юрия Бутусова - Михаил Пореченков, а потом и Михаил Трухин. Существует мнение, что этот переезд не лучшим образом сказался на их актерской судьбе - в Питере они играли глубже, тоньше, сосредоточеннее. Наверное, это так. Впрочем, театральные компании, особенно сложившиеся в студенческие годы, - содружества нестойкие, стремящиеся к распаду. Как бы то ни было, но писать о Константине Хабенском сегодня нелегко: из театральных ролей, сыгранных им после переезда в Москву, интересной оказалась одна (Клавдий в «Гамлете» Юрия Бутусова), а среди экранных хватает мусора. Однако Хабенский - артист с индивидуальностью, а значит, его личную, особую ноту можно расслышать даже в проходных работах.

Эта нота - рефлексия, но специфическая. По амплуа Хабенский ближе всего к герою-неврастенику (сам он шутит в интервью, что его амплуа - «комическая старуха»). В старом питерском спектакле «В ожидании Годо» Юрия Бутусова тонкая душевная организация его Эстрагона обаятельно сочеталась с бесконечным травестированием, насмешничаньем над всем и вся, царившим на сцене. Настоящих неврастеников он играет часто: то в гротескном ключе (незадачливого курьера Эдуарда из комедии Дмитрия Месхиева «Механическая сюита» или дрожащего, как цуцик, самоубийцу в «Богине» Ренаты Литвиновой), то, претендуя на серьезность, скажем, в роли Зилова из «Утиной охоты». Антону Городецкому из «Дозоров», журналисту Гурьеву из фильма Филиппа Янковского «В движении» рефлексия тоже не чужда.

Однако метаниям персонажей Хабенского не всегда сочувствуешь. Неврастеники прежних лет подчас бывали людьми откровенно неприятными, но в целом определенными: пустота в душах героев - скажем, Олега Даля (когда он играл того же Зилова или Сергея в фильме Анатолия Эфроса «В четверг и больше никогда») - не могла не ужасать, но было понятно, отчего они мучаются и на кого злятся. Смягченный, приглаженный вариант Зилова - герой Олега Янковского в «Полетах во сне и наяву» Романа Балаяна - казался человеком, по меньшей мере, непустым. Персонажи Хабенского часто люди без внутренней структуры. Про них трудно что-либо сказать наверняка: ни что в них хорошего, ни что плохого, ни отчего они переживают, ни насколько глубоки эти переживания. Это люди мутные, неясные, непроявленные: вроде брезжит в них что-то, но что - неизвестно. Да и брезжит ли?

В центре сюжета эти неврастеники смутного времени, как правило, оказались случайно: нелегкая занесла. Теперь сами не знают, как выпутаться. На центровое положение они, впрочем, особо и не претендуют - слишком легкомысленны, безответственны, расхристанны. Одна из забавных их черт - этакая легкая невменяемость. После выхода на экраны «Дозоров» кто только ни прошелся по поводу того, что Антон Городецкий там постоянно не в себе: он или «поддатый», или мучается похмельем, отравлен, вообще переселен в другое тело. Шатается по сюжету такой неадекватный, с испариной на лбу, растягивая губы в своей плывущей, «разлапистой» улыбке.

Впрочем, эта смазанность восприятия мира по-своему даже привлекательна. Наверное, потому, что для зрителя малодостижима. Ведь жизнь вокруг если и располагает к расслаблению, то лишь в строго отведенные для этого дела часы. Позволить себе, чтобы туго закрученная пружина внутри тебя ослабла в нормальной, то есть полной борьбы за существование, жизни сложно, а уж в опасный момент - и вовсе немыслимо. Герои Хабенского не только способны «отпустить» себя и ситуацию, они будто бы и не умеют по-другому. Оказаться между Темными и Светлыми и зажмурить глаза - вот их способ выживания. Закусить удила, пойти на поводу у собственных желаний - как Клавдий в «Гамлете» МХТ - и думать: авось, пронесет! Эта ставка на «авось», на то, что «само образуется», конечно же, отвечает представлению о россий-ском национальном характере. Но свидетельствует и о сознательном выборе: можно сказать, герои Хабенского таким образом выражают усталость от прессинга «взрослого» существования - они бегут от него в инфантильность, в восприятие мира через пелену измененного сознания.

Но это еще и просто опьянение жизнью. Потому что при всей недопроявленности кое-что героям Хабенского действительно дано: чувственное восприятие мира, умение относиться к нему с подкупающим доверием. Они восприимчивы: повседневность воспринимают не как трясину, а как благодать, тому, что другие и не заметят, обрадуются, как дару судьбы. Усталость от жизни - не про них: даже журналист Гурьев («В движении»), с головой втянутый в бессмысленный светский водоворот, умудряется получать от всей этой суеты какое-никакое удовольствие.

В этой мягкой игровой витальности, в этом налете неприкрытой чувственности, мне кажется, и кроется секрет популярности Константина Хабенского. Это же и выдвигает его на позицию одного из главных артистов на роли героев-любовников: такой тип обаяния способен воздействовать на женскую аудиторию сильнее, чем откровенная брутальность, скажем, Владимира Машкова или Михаила Пореченкова. Так в опере тенор - более вызывающе сексуальный голос, чем бас, не случайно именно у теноров во все эпохи существуют «сырихи»-поклонницы.

В кино эта актерская краска Хабенского сегодня проявляется выразительнее, чем в театре, - возможно, потому что на сцене МХТ им. Чехова ему по-настоящему раскрыться еще не удалось. Хоть публика и ходит в Московский Художественный во многом «на Хабенского», но на спектаклях не оставляет чувство, что его неврастеническое обаяние на самом деле камерно, не слишком сочетается с положением премьера. Кино же любит подчеркивать, укрупнять чувственную сторону его актерской индивидуальности - умение купаться в жизни, ловить на своем лице всю ее ласку. Не совершать выбор и не оценивать - отвечать на предложение согласием.

Мужчина, готовый спонтанно и искренне увлечься любой женщиной, - довольно привлекательный вариант героя-любовника. Особенно во вре-мена, когда мужчина, кажется, вообще увлекается женщиной все реже. Огонек искреннего интереса, мгновенно загорающийся в его глазах, льстит женскому самолюбию. Этот огонек есть и во взгляде Клавдия в «Гамлете» Юрия Бутусова, хулиганистого молодого короля, который лишь из какого-то авантюрного чувства идет на страшное преступление и смотрит на крупную, годящуюся ему в матери Гертруду со смесью восторга и ужаса: это все мое!

Есть этот огонек и в глазах журналиста Саши Гурьева, не пропускающего ни одной юбки. И уж точно он свойствен Андрею Калинину из фильма Дмитрия Месхиева «Женская собственность» - ранней, но до сих пор лучшей работе Хабенского в кино.

У этих обаятельных гедонистов непростые отношения с понятием «мужественность». От стереотипа «настоящий мужчина», в силу своей безответственности, они далеки. Иногда, впрочем, Хабенскому предлагают и роли цельных и сильных личностей, но толку из этого выходит мало: и в Алексее Турбине в спектакле Сергея Женовача «Белая гвардия» в МХТ, и в террористе Грине в фильме «Статский советник» есть нечто пародийное. Сколько ни делай мужественное лицо, а рефлексирующий неврастеник все равно пробивается наружу.

Более органичный и плодотворный для Хабенского вариант - этакая скрытая мужественность. Именно ее и демонстрирует герой «Женской собственности» - тот самый Андрей Калинин, которого приняли в театральный институт исключительно благодаря роману с мастером курса, знаменитой актрисой. К этому давнему персонажу Хабенского невозможно отнести известные слова Марины Цветаевой о Юрии Завадском, которые как нельзя лучше подходят к другим героям артиста. Вот эта цитата: «Добр? Нет. Ласков? Да. Ибо доброта - чувство первичное, а он живет исключительно вторичным, отраженным. Так, вместо доброты - ласковость, любви - расположение, ненависти - уклонение, восторга - любование, участия - сочувствие. Взамен присутствия страсти - отсутствие бесстрастия… Но во всем вторичном он очень силен: перл, первый смычок». Многие герои Хабенского кажутся именно вторичными. Но не Андрей Калинин. Фильм «Женская собственность» рассказывает о том, как сильно различаются видимость

и суть: так за невыносимо слезливым мелодраматическим сюжетом (героиня умирает от рака, герой с горя пускается во все тяжкие, а потом находит новую любовь) там скрывается точный рассказ об отношениях, которые со стороны выглядели обычной интрижкой, а были настоящим чувством. Вот так и мужественность Андрея Калинина надо еще уметь распознать, она тщательно и успешно себя камуфлирует. Герой «Женской собственности» в глазах окружающих выглядит ходоком и альфонсом, циником и разгильдяем. Мужественность скрывается им как нечто личное, интимное, что нельзя выставлять напоказ, что составляет саму суть человека, а потому должно оберегаться. Хабенский точно играет эту специфическую мужскую стыдливость: когда проще показаться развязным, чем взволнованным, мелким, чем глубоким. Он играет человека с внутренним стержнем, который никого не осуждает и даже идет на поводу у обстоятельств, но четко делает для себя выбор и отлично умеет отличать настоящее от подделки. Так что понять его способны лишь мудрые женщины, в «Женской собственности» их две - многоопытная Лиза и молодая Оля.

Подобная тонкость работы и разнообразие психологических нюансов для Хабенского сегодня - редкость. Между тем он, безусловно, к этому склонен. Зато для ситуации упрощения, в которой он сегодня существует, типичен спектакль «Утиная охота», поставленный в 2002 году на сцене МХТ Александром Мариным. Зрители, пришедшие на пьесу Вампилова (а на «Утиную охоту» обычно набивается полный зал), видят пошловатую, суетливую историю о парне, который, конечно, далеко не всегда ведет себя комильфо - лжет жене, путается с женщинами, но в целом вполне симпатичен. Да, он много пьет (немалую часть сценического времени Хабенский изображает похмелье), но кто не без греха? Этакий душа компании, обаяшка - и с чего, собственно, его тянет нажать на курок? В версии МХТ пьеса Вампилова становится чередой непритязательных гэгов на тему советского быта, разыгранных с большей или меньшей степенью вкуса: публика с удовольствием смеется, и страшная составляющая этой истории выветривается из спектакля практически без следа. А Зилов в исполнении Хабенского предстает типичным невнятным и вторичным героем, ради которого и не стоило огород городить.

Нишей Хабенского сегодня можно назвать характерность. На него интересно смотреть в фильмах Дмитрия Месхиева, который явно старается использовать этого артиста максимально разнообразно: после забитого, чисто комедийного Эдуарда в «Механической сюите» режиссер предложил ему роль политрука Лифшица в картине «Свои». Тоже вариант скрытой, не сразу проявляющей себя мужественности: этот замкнутый, не самого молодецкого вида человек на поверку оказывается не только бравым бойцом, но даже собою жертвует, прикрывая отход своих. В характерных ролях и хорошая школа Хабенского, и его умение чувствовать форму, и тонкость нюансировки проявляются вполне. Но этого, конечно же, недостаточно. Хотя бы потому, что неврастенический темперамент - дарование ценное и редкое.

Замечательная фреска из собора Св.Софии в Новгороде с изображением Св. Константина и Елены оживила воспоминания о римских памятниках.
Кто из посетителей Капитолийских музеев не обращал внимания на изображения Константина! Тем более что сейчас в экспозиции находятся части сразу двух колоссальных статуй императора. Остатки мраморной статуи размещены во дворе Палаццо Консерваторов:

Высота головы: 2 м 60 см. Сохранилась рука с указующим перстом:

И нога императора:

Эта акролитовая статуя находилась когда-то в огромной базилике Максенция. Остатки этого здания на форумах выглядят сегодня так:

Константин правил империей в начале IV века. Он недолго жил в Риме. Его временными резиденциями были Трир, Милан, Аквилея, Сирмий, Нэсс, Фессалоники. Он основал Новый Рим – Константинополь, для украшения которого были использованы многочисленные статуи Рима и греческих городов. О Константине писали христианские авторы и приверженцы традиционных культов римской империи. Для православных он святой. Западная церковь отнеслась к его канонизации осторожнее. Когда мы видим прижизненные изображения Константина, его образ становится еще сложнее. Застывшее лицо, огромные глаза – перед нами не столько человек, сколько само воплощение власти и нечеловеческого величия:

Христианский образ Константина оставил потомкам Евсевий Памфил, епископ Кесарии Палестинской. Впрочем, он честно признался в гл.11 книги 1, что будет повествовать только о богоугодных делах Константина. Поскольку «иные, руководствуясь чувством благорасположения или ненависти, а нередко подстрекаемые просто желанием показать свою ученость, пышно и высокопарно, хотя совсем без нужды, излагают повествования о делах постыдных, описывают жизнь мужей, не заслуживающих уважения, и поступки, для улучшения нравов бесполезные…»
Книга Евсевия прославляет василевса, которому накануне решающей битвы с Максенцием, было видение Креста, который Константин сделал своим символом и победил. Мы узнаем об участии Константина в жизни церкви, об утверждении христианства на просторах Римской империи, об уничтожении языческих святилищ и его крещении на пороге смерти.
В гл. 19 книги 2 рисуется картина всеобщего благоденствия его подданных: «Итак, теперь, по низложении людей нечестивых, лучи солнца не озаряли уже тиранического владычества: все части римской империи соединились в одно, все народы востока слились с другой половиной государства, и целое украсилось единовластием, как бы единой главой, и все начало жить под владычеством монархии. Светозарное сияние благочестия сидевшим прежде во тьме и сени смертной доставило дни радостные, не было больше и памяти о минувших бедствиях; все и всюду прославляли победителя и соглашались признавать Богом только Того, кто доставил ему спасение <…> Исчез всякий страх бедствий, которые перед тем всех удручали, и люди, до того времени с поникшим взором, теперь смотрели друг на друга светлыми глазами и на лицах были улыбки. <…> Забыли они о минувших бедствиях, о всяком нечестии и, наслаждаясь настоящими благами, ожидали будущих».

Остатки второго, бронзового, колосса Константина находятся сейчас в том же зале, где экспонируется конная статуя Марка Аврелия, которую, как известно, спасло только то, что ее в Средние века считали изображением Константина. Высота этой головы 1 м 70 см:

Продолжим читать Евсевия. Он описывает Константина незадолго до смерти: «Протекло уже тридцать два года его царствования, без нескольких месяцев и дней, а время его жизни было вдвое более. Несмотря на такой возраст, тело его не знало болезней и слабостей, не имело никаких язв и было крепче юношеского, с виду красиво и способно к усиленной деятельности, так что он мог заниматься гимнастикой, ездить верхом, ходить пешим, участвовать в сражениях, воздвигать трофеи в честь победы над врагами и одерживать верх в бескровной борьбе с противниками». /Кн. 4, гл. 53/
И только в гл. 54 биограф позволяет себе упомянуть о «недолжном»: «Он отличался всеми прекрасными качествами, а особенно человеколюбием, которое однако же мне и порицали, называя это беспечностью в отношении к злодеям, причиной своего злонравия почитавшим невзыскательность василевса. И действительно, в описываемое время сам я замечал владычество двух тяжких пороков: разрушительную силу ненасытных и лукавых людей, расхищавших чужое имущество, и невыразимое притворство обманщиков, лицемерно присоединившихся к Церкви и ложно носивших имя христиан. Человеколюбие и добролюбие, искренность веры и прямодушие располагали василевса доверять людям, бывшим, по-видимому, христианами и под маской притворства старавшимся снискать истинное его расположение. Доверяя же им, иногда совершал он недолжное». /http://khazarzar.skeptik.net/books/eusebius/vc/index.html/

А вот характеристика Константина из уст язычника Зосима. Ее воспроизводит в своей статье Н.Н.Розенталь: «Константин у Зосима - прежде всего честолюбивый карьерист, захватчик, чудовищный убийца и предатель. Побочный сын Констанция от женщины неблагородного происхождения, он насилием отстранил от власти законных наследников своего отца. Продажные преторианцы провозгласили его императором не по каким-либо принципиальным основаниям, а лишь «в расчете на щедрую награду». Узурпация Константина послужила примером Максенцию, сыну бывшего западного августа Максимиана Геркулия, который во всяком случае мог считать себя более достойным императорского венца. Римская империя оказалась на грани кровавых междоусобных войн. Тщетно взывал к совести молодых честолюбцев старик Диоклетиан, добровольно сложивший с себя верховную власть после двадцати лет доблестного управления. <…> Но ничто не могло помешать эгоистическим проискам Константина. Он сумел уничтожить Максенция, использовав в качестве наемной боевой силы варваров-германцев. После этого Константин, «действуя согласно своим привычкам», вероломно напал на восточного августа Лициния, своего зятя и честного союзника, который не давал ни малейшего повода к разрыву. Захваченный врасплох Лициний был побежден и сдался в плен при условии сохранения ему жизни. Но Константин, опять-таки «по своему обычаю», постыдно нарушил клятву и безжалостно умертвил пленного родственника, кстати, заодно с его малолетним сыном, своим племянником. <…> Помимо своего зятя Лициния, он убил также своего тестя Максимиана, свою жену Фаусту и своего старшего сына Криспа. После казни последнего, рассказывает Зосим, Константин потребовал от государственных языческих жрецов, чтобы они очистили его от пролитой им крови. Но служители древних отечественных алтарей в ужасе заявили, что для такого рода злодеяний не существует никаких искупительных средств. Однако одному прибывшему из Испании христианскому епископу удалось внушить императору веру во всеисцеляющую и всеочищающую силу новой религии, что якобы и обусловило последующий переход Константина в христианство». /http://ancientrome.ru/publik/rozent/rozent01.htm/

С личностью Константина связано установление основополагающих для Византии и России принципов взаимоотношения церкви и государства. Сошлюсь на книгу А.Д.Рудокваса: «Рождение того комплекса правовых воззрений, который условно может быть назван "византизмом", относится ко времени правления первого христианского императора Римской империи - Константина Великого (IV в.). Их теоретическое оформление было впервые дано современником Константина, епископом Евсевием Кесарийским в его "Жизнеописании Константина". Именно он наметил основные контуры той системы взаимодействия факторов государственной жизни в христианской империи, которая впоследствии получила название "симфонии". Сущность этой концепции - уподобление земной империи "Царству Божьему". Реализацию христианских начал обязана обеспечить в земной жизни государственная власть - император, совместно с церковью. Церковь легитимирует государственную власть, санкционирует государственное принуждение, а государство предоставляет церкви свою силу для охраны и воплощения в жизнь норм церковного учения». /http://www.centant.pu.ru/aristeas/monogr/rudokvas/rud010.htm/

В Ватиканских музеях находится порфировый саркофаг Св.Елены, матери Константина. Как странно он смотрится для христианки! Римские легионеры, поверженные варвары… Впрочем, есть предположение о том, что создавался этот саркофаг для Константина: http://www.pravenc.ru/text/189737.html#part_2

Елена была дочерью трактирщика. Прожила она 80 лет. Ей мы обязаны обретением христианских святынь в Палестине. Как пишет Евсевий, «эта старица необыкновенного ума с быстротой юноши поспешила на восток и с царской заботливостью обозревала дивную землю, восточные анархии, города и селения, с той целью, чтобы совершить должное поклонение стопам Спасителя, <…> и плод собственного благочестия оставила грядущему потомству».
Достоверных изображений Елены до нас не дошло.

Очень трудно сейчас осознать масштаб строительной деятельности той эпохи. Но в Риме есть несколько мест, где можно прикоснуться к IV веку. Одно из них в Ватикане. Под собором Св.Петра в середине XX века тайно велись раскопки. Их целью был поиск гробницы апостола Петра. Собор XVI века был построен на месте огромной базилики, сооруженной по повелению Константина. Результаты раскопок сейчас законсервированы. Если озаботиться заранее и заказать специальную экскурсию, можно попасть на территорию Ватикана, спуститься в глубокие подземелья, узнать поразительную историю храма и увидеть древние гробницы.

P.S. Изображения Елены на монетах:

Константин Маковский – известный русский художник, написавший множество картин боярской Руси XVII века. Обстановка боярских хором, одежда героев картин, да и сами бояре и боярышни воспроизведены настолько достоверно, что по картинам художника можно изучать отдельные главы истории Руси.

Точность в написании отдельных деталей и мотивов узоров, сотканных руками русских вышивальщиц, или четких орнаментов на резных кубках и чашах удивляет и восхищает зрителей прошедшего и настоящего времени.

Роскошные одежды, расшитые жемчугом, удивительной красоты головные уборы, того времени, красавицы-боярышни, украшенные драгоценными ожерельями, бояре в парчовых кафтанах – во всем чувствуется, с какой любовью к русской национальной красоте и культуре, к богатому наследию наших предков, писались эти картины. Долго можно стоять возле каждой из них – любоваться русским узорочьем и ощущать в себе гордость и в то же время печаль, печаль о том, что многое утеряно, не сохранилось и не сохраняется сегодня. Поэтому такие картины, в которых остались уникальные свидетельства культуры Русской земли, для нас особенно ценны.

Биография художника Константина Маковского

Константин Егорович Маковский (1839 – 1915гг.) родился в семье, где была атмосфера поклонения искусству. В их доме бывали многие известные деятели культуры и искусства. Отец художника, Егор Иванович Маковский, был одним из крупнейших коллекционеров Москвы второй четверти XIX века. Его увлечением были произведения изобразительного искусства, в основном старинная гравюра.

А Константин Егорович, унаследовав увлечённость отца, собирал все шедевры русского старинного мастерства, но это была «красивая старина». Что-то он умело пристраивал в жилых комнатах и мастерских, а потом использовал в своих картинах, а что-то просто выставлял в свой старинный большой шкаф из чёрного дерева, чтобы потом любоваться и восхищаться красотой и умением русских мастеров.

На карнизе камина стояла старинная домашняя утварь: серебряные ковши, кубки, рукомойники, опахала – предметы боярских времён. Старинные боярские , разноцветные сарафаны, унизанные жемчугом поручи, кокошники, расшитые жемчужными кружевами – все это можно увидеть на картинах художника. А кроме вещей, с любовью собранных Константином Егоровичем, в его картинах принимали участие и люди, собиравшиеся вокруг него. Иногда разыгрывали сцены из боярского быта, которые затем переносились на холст. И это вызывало, несомненно, горячий интерес зрителей, ведь они через картины Маковского приобщались к познанию истории Руси и культуре предков.

Дочь художника в своих воспоминаниях рассказывала, как «… ставились роскошные «живые картины» из боярского быта…». Приглашённых на эти вечера иногда было до 150-ти человек, среди которых были и представители старинных родов, потомки тех, кого изображал художник. Они «…ловко и красиво облачались в парчовые и …» с тем, чтобы воспроизвести в них сцену, задуманную художником. Так появились картины – «Свадебный пир», «Выбор невесты» и многие другие картины.

Картины Константина Маковского

На полотнах К.Е. Маковского в ярких роскошных костюмах из собственной коллекции созданы образы прекрасных женщин, современниц художника. Смотришь на картину и ощущаешь, будто светится русское узорочье, поблёскивает шёлком и серебром расшитый сарафан русской красавицы. А если обратить внимание, то увидим, что на каждой картине на девушках боярышнях совершенно разные головные уборы. Действительно, у художника коллекция кокошников и головных уборов была наиболее богатым и ценным приобретением.

Коллекционированием предметов русской старины К.Е. Маковский продолжал заниматься всю жизнь. Собирая шедевры русских мастеров, художник приобщался к истории России и, любуясь ими, воодушевлялся новыми идеями. Теперь же его полотна вызывают и в нас не только восхищение богатейшим наследием наших предков, но и стремление узнать более и более о своей родине.

О том, как К.Е Маковский использовал свою коллекцию в работе, рассказывала писательница Е.И. Фортунато, которой посчастливилось быть у него в качестве модели.

К.Е Маковский был не только художником. Общаясь с крупными учеными-историками, он стал сам большим специалистом в области русской старины. К.Е. Маковский стремился сберечь художественное достояние России. Поэтому неслучайно в 1915 он стал членом Общества возрождения художественной Руси, основной задачей которого было сохранение, изучение и пропаганда русской старины.

Горько и печально, что коллекция, собиравшаяся в течение полувека, занимавшая столь важное место в жизни художника, ставшая отражением целой эпохи в русской культуре, всего через полгода после его смерти будет пущена с торгов. В сентябре 1915 года К.Е Маковский был сбит уличной пролёткой на одной из улиц Петрограда. Получив тяжёлую травму головы, художник скончался через два дня. Внезапная смерть разрушила все задуманные планы…

На аукционе было перечислено более 1000 предметов, некоторые из них достались столичным музеям: Русскому музею, Эрмитажу, Музею Училища технического рисования барона Штиглица, московским музеям. Многие предметы были скуплены представителями московских антикварных фирм. Подлинные костюмы, серебряные кубки, ковши, бокалы перешли в руки видных московских коллекционеров.

Но не все восхищались картинами К.Маковского и его манерой работать.

В начале своего творческого пути К. Маковский разделял взгляды художников-передвижников, он писал крестьянских детей («Дети, бегущие от грозы», «Свидание»), но уже в 1880-е годы художник бесповоротно отошёл от них и стал устраивать персональные выставки.

В 1883 году он создал картину «Боярский свадебный пир в XVII столетии», за ней последовали «Выбор невесты царем Алексеем Михайловичем» (1886), «Смерть Ивана Грозного» (1888), «Одевание невесты к венцу» (1890), «Поцелуйный обряд» (1895,). Картины пользовались успехом, как в России, так и на международных выставках. За некоторые из них на Всемирной выставке 1889 года в Париже К.Маковский был удостоен золотой медали.

На его картины цены были всегда высокими. П.М. Третьяков иногда не мог приобрести их. А вот иностранные коллекционеры охотно покупали полотна «боярского» цикла, поэтому большинство работ художника ушло из России.

Благодаря такому успеху К.Е.Маковский стал одним из самых богатых людей. В течение всей жизни его окружала роскошь, какая не снилась ни одному русскому художнику. Маковский с одинаковым блеском выполнял любой заказ на любую тему. Именно последнее вызывало у многих непонимание, и даже осуждение. Одни, видимо, завидовали успеху, другие считали, что в картинах должен присутствовать народ со своей повседневной жизнью. Но такие картины раскупались не столь охотно, и многие считали, что Маковский писал на те темы, которые были востребованы, то есть ради собственного обогащения.

Однако он всегда жил, как ему хотелось и писал то, что хотел. Его видение прекрасного просто совпали с требованиями и запросами тех людей, которые готовы были платить за его картины большие деньги. Его лёгкий успех стал основной причиной отрицательного отношения к нему и его творчеству художников-передвижников. Его обвиняли в том, что он ради материальных благ использовал искусство и свой талант.

К.Е. Маковский начинал свой художественный путь вместе с художниками- передвижниками, выставляя картины на тему жизни народа. Однако со временем его интересы стали иными, и с 1880-х он стал успешным салонным портретистом. О том, что это произошло ради материальных благ, нельзя поверить. Ведь об этом говорят его многочисленные коллекции и многогранный талант. Но нельзя отрицать, что Маковский не искал признания за рубежом. К тому же европейцы интересовались русской историей, поэтому его работы быстро продавались.

В личной жизни Маковский также был счастлив. Его приятная внешность, общительность, всегда открытый и улыбчивый взгляд ясных глаз делали Константина Егоровича всегда желанным гостем. Он был трижды женат. Его первая жена Леночка Буркова, актриса Александринского театра, прожила с ним недолгую жизнь. Обаятельная и нежная девушка внесла в его жизнь много радости и тепла. Но из земной жизни ее рано унесла болезнь.

Беззаботный и жадный к утехам жизни Константин Егорович быстро утешился, увидев на балу необыкновенной красоты девушку – Юленьку Леткову. Девушке шел всего лишь шестнадцатый год, а обворожительному живописцу – тридцать шестой. Вскоре состоялась свадьба. Прожив двадцать лет счастливой семейной жизни, Константин Егорович написал множество картин, в большинстве из которых встречается милый образ его молодой жены. На протяжении долгих лет Юлия Павловна Маковская была его музой и моделью для портретов.

В 1889 году Константин Маковский отправился на Всемирную выставку в Париж, где экспонировал несколько своих картин. Там он увлекся молодой Марией Алексеевной Матавтиной (1869-1919). В 1891 году родился внебрачный сын Константин. Пришлось признаться во всем жене. Юлия Павловна не простила измены. Через несколько лет был оформлен развод. А Константин Егорович продолжал счастливую семейную жизнь с третьей женой, которую также использовал в качестве модели. Своих детей и от второго, и от третьего брака, он также часто изображал на своих полотнах.

Тройной портрет Константина Коровина

В чем уникальность московской юбилейной выставки?

Предстоящая экспозиция в Государственной будет первой за последние 50 лет выставкой Константина Коровина , на которой зрители смогут так полно познакомиться с творчеством живописца. Это вторая выставка проекта, начавшегося в 2011 году в в Санкт-Петербурге. О Константине Коровине и предстоящем событии рассказала заместитель генерального директора ГТГ Лидия Иовлева.

– В 2011 году состоялась выставка Константина Коровина в Русском музее. Чем будет отличаться экспозиция в Третьяковке?

– Обе эти выставки созданы в рамках одного большого проекта наших музеев. И в том, и в другом варианте экспозиция должна состоять из трех разделов, раскрывающих три ипостаси . Прежде всего – станковое искусство: портреты, натюрморты, пейзажи, среди которых знаменитые виды Парижа и Крыма. Здесь мы совпадаем: берем лучшие работы из нашей коллекции и коллекции Русского музея и дополняем своими «открытиями» – картинами из частных и музейных собраний. Второй раздел – театр. Как у любого импрессиониста, у Коровина была тяга к декоративизму. Это свойство его дарования открыл Мамонтов. И, наконец, монументальная живопись.

– Удивительно, ведь Коровину в момент его сотрудничества с Частной оперой Мамонтова было чуть больше двадцати лет!

– Совершенно верно! Коровин тогда еще не окончил Московское училище живописи и ваяния. Мамонтов пригласил многих, в том числе Левитана, но крупным театральным художником среди приглашенных в начале 1880-х годов стал только Коровин.

– А сохранилась ли первая театральная работа Коровина, над которой он работал вместе с Левитаном?

– Нет, только несколько эскизов. От мамонтовских постановок осталось вообще немного. Но сохранилось уникальное создание Коровина – декорации. Реальные, настоящие декорации, костюмы, шапочки и туфельки к опере Римского-Корсакова «Золотой петушок». Спектакль был поставлен в 1934 году в театре французского города Виши и Коровин был приглашен его оформлять. Почти весь постановочный реквизит после закрытия театра сохранил у себя когда-то известный в России и Европе лирический тенор Раисов. Затем, уже у его дочери, это через аукцион приобрел живший во Франции внук знаменитого русского художника В.Д. Поленова – Александр Александрович Ляпин, замечательный человек, большой друг России и российских музеев. С любезного согласия мы представим декорации к двум сценам оперы. Этого не было на выставке в Русском музее.

– Какова судьба северных панно, куда они попали после Нижнего Новгорода и как оказались у вас?

– Известно, что по инициативе все того же Саввы Мамонтова Константин Коровин был привлечен к оформлению павильона «Крайний Север» на Всероссийской художественно-промышленной выставке 1896 года в Нижнем Новгороде. Для сбора материала Константин Коровин и Валентин Серов были направлены, как бы мы сейчас сказали, в командировку в северные губернии России. Они побывали в Финляндии (тогда части Российской империи) и в Швеции. Из поездки Коровин привез множество этюдов, картин, в значительной мере открыв для русского искусства своеобразную красоту и поэзию природы русского Севера. На основе этого материала художником были исполнены десять больших панно для названного выше павильона. После закрытия выставки они были помещены Мамонтовым в переработанное по проекту Ф. Шехтеля здание Ярославского вокзала в Москве.

« берем лучшие работы из нашей коллекции и коллекции Русского музея и дополняем своими «открытиями» – картинами из частных и музейных собраний»

После очередной перестройки здания, уже в послевоенные годы, работы были переданы в Третьяковскую галерею. Это произошло в 1961 году. На выставке будут экспонироваться четыре из них, которые «привели в порядок» замечательные реставраторы Третьяковской галереи. В Русском музее из-за сложности перевозки они не экспонировались. Зато в Питере были показаны почти в полном объеме , использованные Коровиным для Всемирной художественно-промышленной выставки 1900 года в Париже. У нас они по тем же причинам, к сожалению, показаны не будут.

– Каким будет ваше издание каталога и почему потребовалось делать свое, если проект выставок все-таки один?

– В Русском музее, был, скорее, альбом, посвященный творчеству Коровина, включающий по больше части станковые работы. Кроме того наши и их панно. У нас это не столько альбом, сколько каталог, но альбомного характера. Будет все, что экспонируется на выставке.

– Можно ли говорить, что импрессионизм Коровина – особого характера? Ведь художник пришел к нему сам и только позже подкрепил знаниями о французских художниках, работавших в этой манере?

– В основном, да. Но было общее движение и русского, и европейского искусства к этой стилистике, этому методу. Оно шло от неприятия закостенелого академизма и началось в середине XIX века от общего увлечения пленэризмом. Во Франции первыми пленэристами стали барбизонцы. У нас это, прежде всего, проявилось в Московской школе живописи и ваяния. Коровин пришел к этому сам, развивая традиции своих учителей Саврасова и Поленова. Через пленэризм он понял импрессионистический метод, где свет и цвет – главное, и они в своем взаимодействии изменяют мир. А потом уже познакомился с этим направлением во Франции. У Коровина было органическое, врожденное тяготение к импрессионистически-радостному восприятию жизни. Он существовал в мире, каждое проявление которого вызывало в его душе живой отклик. Впечатление – это и есть импрессионизм. Не обобщение, анализ. Ведь как работали художники раньше – наблюдали, анализировали, писали этюды и потом – большую работу. Все хотели, как Иванов написать одну на всю жизнь картину. А у Коровина даже портреты, например, Мамонтова или Чичагова – это «впечатление» от человека, а не анализ его психологии.

– В живописи Коровина есть ощущение, что он был любимым всеми вокруг и всю жизнь. Да и воспоминания о нем это подтверждают!

– Да, но у него сложилась не совсем удачная личная жизнь. Во-первых, случайный брак. По нормативам XIX века, если родился ребенок, верность можно не хранить, но необходимо соблюдать приличия, заботиться о сыне и жене. Недавно мы купили письма и записные книжки Коровина. Частично они опубликованы, частично будем публиковать в каталоге. Там есть сетования на глубинное непонимание в семье, с женой.

– Наконец-то! У него же жена нигде в воспоминаниях даже не мелькает!

– Потому и не мелькает. Он был молод. Она была хористкой в Харькове. Сразу оговорюсь, Коровин не ее изобразил в знаменитой «Хористке».

– Она с фонариками?

– Да, совершенно верно! Кстати, эти «Фонарики» будут у нас везде – и на афише, и в каталоге.

– В какой-то момент Коровин решил попробовать себя в качестве проектировщика предметов декоративно-прикладного искусства. Успел поработать в Абрамцево, создал мебель для чайной комнаты. На выставке в Русском музее эту сторону его творчества обошли стороной, а что будет у вас?

– Особого акцента мы не делаем тоже. Это не главное в творчестве Коровина.

– Но медаль-то за чайную комнату на промышленной выставке он получил!

« Есть еще одна замечательная работа Коровина - фриз начала 1900 годов. Называется «Старый монастырь»»

– Получил! Но специального раздела не будет. Может, в витрине что-то поставим, но больше как театральные работы – костюмы.

– Кажется, что про Коровина все известно, и вместе с тем, полно загадок. Вот, например, проблема работ 1930-х годов, когда он подписывал картины за сына…

– Жизнь большинства эмигрантов была довольно тяжелой. Не стал исключением и Коровин. Он был художником, представляющим Россию и, мало того, уже ушедшую ее эпоху. Если в 1920-е годы, несмотря на преобладание авангардистских течений на старой волне еще удавалось существовать, то в 1930-е началась полная драма. Его сын, Алексей Коровин, с детства тяжело болел, болела и жена художника, а тут еще родился внук. Единственным кормильцем семьи оставался Константин Алексеевич. Алексей Коровин учился живописи, но в большого художника не вырос. Отец его очень жалел, всячески пытался помочь и часто подписывал его работы своим именем. А иногда случалось и наоборот. Поэтому, когда к нам попадает поздняя работа, всегда встает вопрос: кто писал и кто подписал. Эта ситуация порождает возможности подделок. Мы очень тщательно и осторожно относимся к этому материалу. Но помимо поздних картин, есть еще одна опасность. В силу своей популярности, Коровин очень востребован. Его часто просили повторять работы. И тут вторая уловка для экспертов. Но если сравнивать детально с оригиналами, всегда угадаешь, что это повтор.

– Помимо станковой живописи и панно посетители смогут увидеть театральные декорации Константина Коровина. И вот здесь очередной вопрос, связанный с атрибуцией. То ли Коровин сам их писал, то ли они выполнены кем-то другим по его эскизам. Какое ваше мнение на этот счет?

– Тут первенство принадлежит Бахрушинскому музею. Они должны проводить экспертизу. Но мы склонны считать, что в экспонируемых декорациях это сам Коровин, возможно, с участием помощников. Документов никаких нет. Как раз в это время Коровин писал воспоминания, но ни словом об этой работе не обмолвился.

– Готовясь к выставке, вы провели передатировку некоторых известных полотен Константина Коровина. Почему это произошло?

– Да, в частности речь идет о «Хористке» и «Северной идиллии». Традиционно они датировались у нас 1883 и 1886 годами. Специалист по Коровину в Русском музее, высказывал сомнение по этому поводу. «Хористка» подписана так: «Харьков, Коммерческий сад, 1883 год». Круглов заметил, что Коровин впервые побывал в Харькове только в 1887 году еще с театром Мамонтова. Мы с ним согласились и стали детально изучать работы. Провели технологические исследования, начали сравнивать рентгенограммы его работ 1883, 1887 годов и рентгенограммы «Хористки». Получилось, что никак она не ложится к 1883 году.

– А как это происходит, сравниваете мазки?

– Изменились мазки, система наложения белил, тень, свет, насыщенность. Когда живопись пастозная (а именно в этом новаторство «Хористки») – распределение света и тени другое. В каждый временной период человек меняется. Меняется его почерк, манера. В 1883 году он еще тяготел к саврасовскому, поленовскому методам работы.

– А откуда возникла эта дата, 1883 год?

« Я очарована этой тонкой изящной работой и считаю, что она будет еще одним открытием выставки»

– Первая выставка Коровина в Третьяковской галерее прошла в 1922 году. До 1920 годов научных сотрудников у нас не было. Был директор Грабарь, был хранитель и был один реставратор. Не было даже этих этикеток на картинах. Продавался копеечный каталожек, опись. Согласно нумерации картин на стенах можно было понять Суриков это или Репин. Но после гражданской войны пришла масса малограмотной публики, и понадобились пояснения. Сначала появился экскурсионный отдел. До этого экскурсии водили учителя гимназий. Есть предание, что и Крупская водила рабочих. Так вот, когда стали готовить коровинскую выставку двадцать второго года, его попросили подписать, в том числе, и эту работу. И он тушью пером на обороте, а потом и на лицевой стороне написал: «1883. Коммерческий сад, Харьков». Даты он всегда путал, и доверять точности здесь нельзя.

– А что же с «Северной идиллией»? Здесь же он не мог забыть в каком году, какую барышню писал?

– Эта работа попала к нам еще при Третьякове. Ее подарила княгиня Орлова. Но не та, которую писал Серов.

– Наверное, та, которую писал Коровин?

– Да, совершенно верно! Она не была датирована самим художником. Как-то так исторически сложилось, что ее определили 1886 годом, т.к. был сходный пейзажный этюд. Опять же сомнения в дате высказал Круглов, а мы начали изучать. Во-первых, впервые ее представили на выставке в 1892 года. Было найдено письмо 1891 года, в котором Нестеров и Поленов писали: «Коровин занят своими берендеями». Ясно, что речь шла об этой картине. После Островского и Васнецова, все такие стилизованные под древность вещи называли «Берендейками». После детального анализа стало понятно, что ранее 1892 года она написана быть не могла. А поскольку представлена она был на выставке 1892 года была, так мы и датировали. И все это опять подтвердил сравнительный анализ рентгенограмм.

« У Коровина было органическое, врожденное тяготение к импрессионистически-радостному восприятию жизни. Он существовал в мире, каждое проявление которого вызывало в его душе живой отклик»

– Пришлось ли проводить реставрационные работы к этой выставке?

– Слава богу, станковые работы не требовали особой реставрации. Наши вещи крепкие, в Третьяковской галерее хорошие реставраторы, они следят за коллекцией. Реставрировали панно, которые пришли к нам с Ярославского вокзала в весьма запыленном, закопченном состоянии. Из 10 половина отреставрирована. Больших утрат, к счастью, там не было, но были сломы. Мы рассчитываем, что и в дальнейшем мы продолжим эту работу, и результаты ее будем показывать публике.

- Будут ли еще какие-то сюрпризы?

Есть еще одна замечательная работа Коровина - фриз начала 1900 годов. Называется «Старый монастырь». Я увидела его только во время подготовки к выставке. Он сделан в стилистике «Мира искусства». Этот фриз на холсте кистью, есть и масло, и темпера. Там преобладает линия. Когда мы его открыли, были восхищены. Казалось, он монохромный, но коричневатый тон холста, коричневатые изображения монастыря и зеленая темпера в изображении куп деревьев. Я очарована этой тонкой изящной работой и считаю, что она будет еще одним открытием выставки.