Современные жанры искусства 20 21 века. Выставка «Всегда современное. Искусство XX–XXI вв. «Этюд женщины в голубом»

22 апреля 2016 года в легендарном павильоне № 66 на ВДНХ, до недавнего времени носившем название «Культура», открылась «Галерея РОСИЗО». Она начала работу выставкой «Всегда современное. Искусство XX-XXI вв.». Зрителям покажут знаковые произведения художников за более чем сто лет - начиная с 1900-х годов и до нынешних дней: мастеров, признанных классиками ХХ века (Иван Клюн, Александр Дейнека, Аркадий Пластов) и культовых современников, чьи работы выставляются в крупнейших музеях мира (Александр Ситников, Эрик Булатов, Игорь Макаревич). Картины на выставке принадлежат к разным стилистическим направлениям и написаны в разные периоды в истории страны, но при этом не только не противоречат друг другу, напротив - вступают в «диалог»: работы наших дней продолжают художественные традиции предыдущих поколений.

Экспозиция включает в себя три раздела: искусство первой половины ХХ века, 1960-1980-е гг. и творчество наших современников. В центре внимания каждого периода - стилевые поиски и художественные решения, запросы времени и ответы на них художников.

Первый раздел начинается с работ, которые произвели революцию в представлении о задачах искусства - с произведений русского авангарда. Разрыв с классической школой живописи, стремление к эксперименту, поиск новых форм - важнейшие черты этого течения. Экспозиция демонстрирует основные направления русского авангарда: кубофутуризм ("Портрет актера" Михаила Ле Дантю) и кубизм ("Городской вид" Алексея Грищенко, "Композиция. Кубизм" Георгия Носкова), супрематизм ("Супрематизм" Ивана Клюна) и конструктивизм (работы Владимира Татлина).

Авангард развивался в 1910-1920-е годы, но в начале 1930-х, после постановления «О перестройке литературно-художественных организаций» стало окончательно ясно: творческим экспериментам приходит конец. Основной тенденцией этого десятилетия стало развитие искусства, доступного для понимания самой широкой аудиторией - так родился художественный метод «соцреализм». Картины этого периода посвящены индустриализации, военным победам и труду: «Демонстрация на площади Урицкого» Василия Викулова, «Прокладка железнодорожного пути в Магнитогорске» Кузьмы Николаева, «Колхозники приветствуют танкистов» Екатерины Зерновой и др.

Второй раздел выставки рассказывает о произведениях художников 1960-1980-х годов. В советском искусстве этого времени одновременно с реализмом в духе 1930-1950-х годов (скульптуры Николая Томского, Льва Кербеля) существовали и его стилистические модификации - например, «суровый стиль» («В чулане» Гелия Коржева, «Апшеронский интерьер Таира Салахова). Начиная с 1970-х годов, используются приемы, характерные для фотореализма («Смена» Леонида Семейко, «Эксперимент в космосе» Лемминга Нагеля), экспрессионизма («Персонажи, качающиеся на качелях» Натальи Нестеровой), фантастического реализма и сюрреализма («Золотой век» Александра Ситникова, «Семья. Мои современники» Ольги Булгаковой). Некоторые художники возрождали традиции русского авангарда. После выставок в Манеже в 1962 году и на пустыре в Беляево в 1974 году, получивших международный резонанс, эту линию искусства стали называть «альтернативной» и «неофициальной». В экспозиции она представлена произведениями Владимира Андреенкова, Бориса Орлова, Евгения Рухина, Бориса Турецкого.

Третий раздел посвящен современному искусству - начиная с конца ХХ века и вплоть до текущего момента. Экспозиция третьего раздела продемонстрирует, как в наше время разные стили в живописи стали инструментами художественного языка. Художники часто цитируют известные работы своих предшественников и используют узнаваемые приемы, формируя новый визуальный язык. Вместе с классиками современного искусства в этом разделе также будут представлены работы молодых художников, которые вдохновляются эстетикой новых медиа.

Искусство XXI века в экспозиции представлено произведениями культовых художников. Зрители увидят «Вид Москвы из Мадрида» Эрика Булатова, «Жизнь небесная» Игоря Макаревича, «Амстердам» Георгия Гурьянова, «Форциссия» Ирины Наховой и др.

На выставке будут представлены картины из собраний Государственного музейно-выставочного центра «РОСИЗО», Ярославского художественного музея, Серпуховского историко-художественного музея, Государственного центрального музея современной истории России, Всероссийской творческой общественной организации «Союз художников России», а также из частных коллекций и ряда московских галерей.

Русское народное декоративно-прикладное искусство.

Века.

Резьба по дереву . Из дерева делали мебель, посуду, орудия труда, возводили избы. Народ выработал много приемов резьбы: геометрическая, скобчатая, сквозная, рельефная и др. Крыши крестьянских изб увенчивались монументальной скульптурой коня, птицы. Деревянная резная и долбленая посуда (чаши, фигурные сосуды, ставы –глубокие чаши с крышкой).

Роспись по дереву и лубу. Расписывали посуду, прялки, шкафы, колыбели, сундуки, сани. Было две росписи: живописная и графическая. Из живописных –хохломская роспись масляными красками на точеной деревянной посуде. Хохломские ложки, чаши, миски

Резьба по кости. В Белом море добывался материал – моржовый клык, он способствовал успехам косторезного дела. Основные приемы украшения изделий – гравировка и плоский рельеф. Изображали животных, целые сцены охоты, чаепития, прогулок, библейские сюжеты. Расписывали табакерки, различные коробочки, то в виде туфелек, то сердец, гребни, ларцы, веера. Для крестьянского быта выполняются недорогие изделия – гребни, ларцы в виде теремков, серьги.

Керамика . Занимаются гончарством, лепят игрушки. Чернолощеная посуда иссиня-черного цвета, полученная от воздействия коптящегося пламени, декорируется лощением – сплошным или орнаментальным. Миски, кувшины, рукомои. Простые формы глазурованной посуды оживляются цветными потечными глазурями, зелеными, красно-коричневыми, растекающимися во время обжига. Гжельская майоликовая посуда – изделия из цветной глины, покрытые непрозрачным стекловидным составом – эмалью. Изображают – домики, птиц, зверей, деревья, травы, цветы.

Игрушка. Одним из крупнейших центров выработки деревянной раскрашенной игрушки стал Троице-Сергиев посад. Сергиевские свистульки, птички, коньки, куклы. Во 2пол. 19в. распространение получила гжельская майоликовая игрушка. Она лепилась от руки или в двустворчатых формах. Игрушка из глины – женщины в конусообразных юбках, всадники, птицы. . Известностью пользовались вятские игрушки (слобода Дымково) – глиняные кавалеры на коне в шляпе, важные барыни, водоноски., птицы, полусказочные звери.

Ткани, вышивка, кружева. Ручное ткачество – на ручном станке женщины ткали холст, полотно, узорные ткани. Материал – лен, конопля, хлопок. Украшали ткани вытканные узоры, набойка. Основа ручного ткачества – переплетение по счету нитей: вертикальных и горизонтальных. Узорным тканьем украшали рубахи, передники, полотенца, простыни. Набойка – способ нанесения на ткань узора посредством резной доски, предварительно покрытой краской. Вышивка украшение праздничной одежды и бытовых предметов – полотенец, платков, скатертей. Золотое шитье украшали свадебные головные уборы. Кружево в праздничной одежде и предметах быта применяется вместе с вышивкой. Наиболее раннее плотное и простое по технике Михайловское кружево (его выплетали из суровых льняных или хлопчатобумажных нитей). Знаменитое вологодское кружево (элементы узора – цветок, напоминающий ромашку, стилизованная птица – пава, выкладывают тесьмой – вилюшкой).

Архитектура Беларуси.

Архитектура новейшего времени 1990 нач. 2000-х характерна новаторскими поисками. Происходят изменения в градостроительной концепции: развитие планировочной структуры городов идет путем перехода к системе «город-пригород». Возрастает роль строительства малоэтажных и индивидуальных жилых домов. Получили распрастранение дороги-обходы, позволяющие миновать город (Логойск, Кобрин, Гомель). Распрастранение получила скульптура и колористика (памятники князьям Давиду в Даивд-Городке, Борису в Борисове, Ф.Скорыне, М.Гусовскому и К.Туровскому во внутреннем дворике БГУ). С нач. 2000г. становление художественного облика белорусских городов осуществляется с использованием графических средств и декоративного освещения, которые служат ориентиром в пространстве, выполнения информационных функций, открывают новые эстетические грани зданий и сооружений (здания на проспектах Независимости, Партизанском, Победителей – в Минске, Петропавловский собор и дворец Румянцевых-паскевичей в Гомеле, стела Победы в Мозыре), храм во имя Преподобной Ефрасиньи княжны Полоцкой в Минске, Свято-Крещенская церковь в Гродно. Из новых строительных материалов используются тонированные и зеркальные стекла (Ледовый дворец в Минске, Гомеле, Гродно, Жлобине, Витебске) главный корпус железнодорожного вокзала, офисный центр 21 века в Минске, здание Национальной библиотеки в Минске. Современные конструкции основаны на сочетании металлических каркасов и внешнего остекленения и стен выпоёлняющих утилитарную и декоративную функцию. Связи с разнообразием строительных материалов возведение жилья осуществляется с использованием железобетонных конструкций, панельное строительство, применяется кирпич. Возрождается высотные малоэтажные и индивидуальные жилые дома, построенные по типовым проектам. В 1992-1997 создан жилой городок для военнослужащих в г.п. Россь Волковыского района. Широкое распрастранение получило строительство индивидуальных жилых домов котежного типа на пригородных территориях (поселки Боровляны, Новинки Минского района). В архитектуре коттеджей воплотились мотивы барокко, классицизма, модерна, готики, народного зодчества. В 2000 г. построены мемориальный ансамбль воинам-пограничникам в Гродно, архитектурный знак «Белоруским партизанам в Минске». Здание главного корпуса железнодорожного вокзала в Минске архитекторы – Крамаренко, Виноградов они удостоены Государственной премии Б. 2004г.

К архитектурным памятникам относятся: Мирский замок, Несвижский замок, Гродненский замок, Агинский канал, Крепостная стена в Гродно, Благовещенская церковь в Витебске, Лидский замок, костел Терезы в Щучине.

Изобразительное искусство в конце 20 века начало 21 века.

Во 2-ой половине 80-х годов 20 века сложились все основные направления изобразительного искусства 20в. - начала 21в.: церковная живопись, в том числе иконопись (Н.Мухин, В.Балабанов, И.Глазунов, Е.Максимов, В.Шилов); «этюдная школа» живописи для которой характерен традиционный русский пейзаж (В.Сидоров, В.Щербаков, В.Телин, В.Полотнов); авангард (Злотников, Янкилевский, Наседкин); русский постмодерн (Дубов, Кислицин, Маркелова, Терещенко); «актуальное искусство». Особенностью изобразительного искусства рубежа 20-21в. является то, что оно стало свободно от цензурного гнета, от влияния государства, но не от рыночной экономики. Если в советское время профессиональные художники были обеспечены пакетом социальных гарантий, их картины закупались в национальные выставки и галереи, то теперь они могут рассчитывать только на свои силы.

В 1947 была создана Академия художеств. В 50-х годах была установлена жестая система. Художник обучающийся в вузе должен пройти ряд этапов.

1 этап – окончить художественную школу

2 этап – окончить художественное училище или институт.

Свое обучение закончить большой тематической картиной. Затем становится членом союза художников. Периодически представляя на официальной выставке свои новые работы. Главным заказчиком художественных работ у мастеров было государство. Конец 50-х над Москвой взметнулись высотные здания со шпилями. Они назывались «Высотки». Их было 7 штук. 1967 в Москве построена Астанскинская телевизионная башня. Автопроект Никитина 1907-1973 этот архитектор участвовал в строительстве комплексов Дворца культуры в Варшаве, монумент «Родина-мать зовет!» телевизионная башня и ресторан «Седьмое небо». Стали появляться жилищные комплексы напоминающие постмодернистическую культуру Запада. Потом в Москве на смену блочной архитектуре пришло разнообразие форм, стиля материал (стекло). В стиле хайтек построена в Минске Национальная библиотека 2002. Особенно популярен Московский стиль – восстановленный храм Христа Спасителя, который возглавил список крупнейших. Но самый грандиозный проект в Москве «СИТИ» с десятками небоскребов. В 21 веке осуществляется строение 25-этажное. Ристоврируется комплекс «Хатынь» (Силиханов, Занкович). «Брестская крепость» - Волчок, Сысоев, Занкович, Назаров участие принимали скульпторы – Бобыль, Бембель. В живописи стало распространяться ваблио. Это жанр иронических рисунков, который включает в себя вербальность перекличку с популярным в народе фильмом Гугарев его работа «ночной дозор». Следующий период эгоцентризм. Новаторство и конформизм это когда в работах прослеживается метафора и концепция, которой пришли на смену тематические направления. А.Босолыга – «Молитва». В 21 веке возвращается христианство, возрождается икона, ристоврируются храмы, церкви. В современной школе 21 века отсутствует влияние заподноевропейского искусства. В графике – свободная линия это интеллектуальная игра линий. Ю.Подолин «Люстэрка». В 21 веке в графике возрождаются малые формы открытки, объявления, афиши и книжная графика. Появляется графика с цветом. Развитие получает компьютерная графика. В этом направлении: Борозна, Яковенко. Печатная графика ослабило свое развитие литография, эстант выполняется на металлических пластинах. Автор Звенцов «Основы графики». Возрождается художественное фото и оказывает сильное воздействие на графику. Развивается интуитивное искусство.

Искусствознание, осмысливающее явления и исследующее процессы развития искусства 20 века , углубляющееся в их закономерности и выявляющее узловые моменты этих процессов, не в состоянии судить о них в целом по их конечным результатам. Историк искусства прошлых эпох вправе рассмотреть исследуемый им материал в свете проистекающих из него выводов и последствий и даже предварить ими основное изложение. Ничего подобного история искусства XX века не допускает. Ей противопоказаны попытки дать окончательные суждения о неоконченных процессах. Речь идет прежде всего о неосновательности неких всеобщих определений XX века как эпохи, изменившей чуть ли не всю природу искусства и учредившей навечно свой новый стиль. Обычно такие то тальные суждения выводятся из ка кой-либо одной из линий художест венного процесса, из эфемерных частных явлений, которые объявля ются началом новой эры. Примеров подобных опытов, равно как и по срамления их реальной историей искусства XX века, можно было бы привести немало. Свою роль здесь играет и то, что исследователь искусства 20 века сам погружен в его течение и наблюдает его, так ска зать, изнутри. При такой точке зре ния легко могут возникать своего рода оптические ошибки. Никто не обладает гарантией от них, а сами они в свою очередь составляют часть истории самоосознания худо жественной культуры 20 века .

Обстоятельства, в которых находится история искусства 20 века , предостерегают от соблазна сфор мулировать или кодифицировать во введении ее общие свойства. Спра ведливее будет ограничиться неко торыми историко-художественными предпосылками, на основе которых предстоит далее рассма тривать само искусство. Исходная предпосылка может быть представлена как постулат: искус ство XX века - искусство перелом ное, а не просто старый или просто ное, а не просто старый или просто новый период его истории. Непростительно наивным было бы видеть в нем либо только прямое и последовательное угасание прошлого, либо только линейное восходящее движение, все стилеобразующие начала которого уже сложились во всей несомненности, и остается лишь ждать созревания плодов или же - в наиболее сложных случаях - превращения гадкого утенка в прекрасного лебедя. Это искусство кризисное в изначальном, словарном смысле слова, выражающем наивысшую напряженность перелома. В его жизнедеятельности проявляются закономерности и умирания старого и развития нового. Это старое и новое (о том, что они означают, еще неоднократно придется вести речь ниже) не располагаются в элементарной последовательности, а действуют во взаимном пересечении, охватывающем глобальное пространство и обширное историческое время. В силу этих причин в искусстве 20 века с чрезвычайной и во многом определяющей силой распоряжаются законы, присущие именно и исключительно переломному времени. Они проявляются не только в том, что и как отражает искусство, например, в характерном для таких периодов аллегоризме как типе художественного мышления, выражающего новые идеи в старых формах, или в признании невозможности воплотить эти идеи в изобразительной форме; в развитии охранительских тенденций и новаторства, сопряженного с отрицанием прошлого, и т.п. Никак не в меньшей мере действие законов перелома сказывается в общем потрясенном состоянии, в которое приходит искусство, теряющее на великих исторических рубежах старую и обретающее новую почву для своего развития. В этих обстоятельствах с остротою, невиданной для классических эпох истории искусства, возбуждаются вопросы о том, что значит собой, для чего существует и что может искусство, а в числе ответов на них встречаются весьма примечательные для неклассического времени мифологизированное представление искусства о самом себе как о всевластной жиз-нестроительной силе и иконоборческое самоотрицание художественного творчества.

Искусство 20 века - не первая переломная, неклассическая эпоха во всеобщей истории искусств. С точки зрения классических эпох, создающих несомненные художественные ценности, гармонически соответствующие породившей их среде и эстетически полноценно решающие свои идейно-художественные социальные задачи, искусство неклассической поры выглядит во многих отношениях неудовлетворительным. Таким рисуется искусство 20 века в восприятии значительной части его современников; двусмысленно многое из того, что выдвигается как его позитивные ценности; искусство нередко проникается неудовлетворенностью самим собой и окружающей жизнью; весьма сомнительно также, всегда ли удовлетворительным образом оно выражает свою неудовлетворенность действительностью и т. д. Вместе с тем местоположение переломных эпох между эпохами, когда достигает пика подъем того или иного большого стиля или, что гораздо шире и значительнее, художественная культура целой социально-исторической формации, глубоко закономерно. И те и другие прочно связаны в единую цепь историко-художественного процесса, и обсуждение первородства классических или неклассических эпох было бы подобно спору о том, что изначаль-нее - курица или яйцо. Столь же закономерны противоречивость, неустойчивость, которые составляют специфическое качество искусства переломного времени. Изменения, переживаемые в такие эпохи, обнимают как внутреннюю структуру искусства, так практически и всю сферу его взаимоотношений с окружающим миром, в которой действуют отнюдь не только собственно художественные, стилевые, но и целый комплекс внести-левых сил. Они могут быть сгруппированы по трем крупным направлениям: идейно-художественная проблематика, вопросы социально-исторической природы искусства, особенности национального и интернационального характера. Все они отвечают истории искусства, укоренены в ней и существуют во взаимосвязанном виде. Очевидно, что такие события, как появление новых отраслей художественного творчества, перестройка жанрово-видового состава изобразительного искусства, типологии архитектурных сооружений, возникновение национальных школ, развитие международных художественных движений и многое иное, касающееся идейного строя, форм и функций искусства, никак нельзя свести только к эволюции стиля, проходящей своим собственным, относительно самостоятельным порядком. Каждой из переломных эпох свойственна своя специфика названных нами трех аспектов истории искусства и их взаимоотношений. Социально-историческую панораму искусства стран и народов мира образуют в XX веке художественные культуры самых различных типов: от первобытного по характеру творчества народов и племен, находящихся на уровне родо-племенного строя, и от средневековых по типу художественных культур до разнообразных высокоразвитых современных культур. Историко-художественные свойства всех этих разных искусств существуют на земном шаре одновременно, образуя собой неотъемлемые разделы художественной культуры 20 века .

С точки зрения национальной и интернациональной проблематики искусство 20 века выглядит многоликой панорамой национальных искусств, их региональных общностей и международных художественных движений. В своем целом они образуют систему, которую вполне можно назвать мировым искусством. В XX веке эта система охватывает собой все, что существует в художественном творчестве на географической карте мира. На ней не остается более "белых пятен", исчезают своего рода зоны молчания, в которые европоцентристская всеобщая история искусства склонна помещать художественные культуры, чуждые европейскому эстетическому опыту. Мировое искусство XX века интегрирует искусства практически всех этнических, региональных типов, какую бы социально-историческую типологию они ни представляли. Включаясь в кругооборот международной художественной жизни, каждое из национальных искусств, великое или малое, развитое или отсталое в историческом смысле, утверждается как современная эстетическая ценность, наделенная в жизни мирового искусства теми же значением и неповторимостью, какими обладают создавшие его нации, народы, страны в современном существовании всего человечества. Эта ценность не измерима путем сопоставления национальных преимуществ: теории "избранных" и "неполноценных" национальных культур служат здесь самым низким националистическим и шовинистическим, расистским целям. Историко-художественные же свойства того или иного национального искусства, напротив, предполагают вполне точные измерения. Таким образом, панорама мирового искусства 20 века , рассматриваемая в свете социальной и национальной проблематики, обнаруживает нечто, в высшей степени примечательное. Взаимоотношения образующих ее искусств, различных по социально-исторической типологии и национальному характеру, имеют двоякую природу. Диахронную, отвечающую их местоположению и роли в историческом развитии художественной культуры человечества, и синхронную, поскольку все они связаны друг с другом как современники одной и той же эпохи. То есть, совмещенные в одном хронологическом периоде, художественные культуры соотносятся друг с другом и как старое и новое, в соответствии со своим историческим генезисом, и как одновременно существующие социальные и национальные художественные силы, взаимодействие и контакты которых происходят на одном поле и сплошь и рядом заключаются в столкновении разных ответов на одни и те же вопросы. Из этих предпосылок проистекают определенные методологические выводы. Соответственно природе явления исследование искусства 20 века предполагает сочетание диахронного и синхронного подходов, их взаимную коррекцию. Оба они существенно необходимы, но каждый из них, взятый в самодовлеющем виде, может дать искаженную картину. Так, диахронный анализ, без которого немыслимо представить себе историческое развитие, выявить в нем прогресс и реакцию, склонен распределить все, что происходит в искусстве нашего времени по расположенным одна над другой ступеням последовательной эволюции, где одно плавно проистекает из другого, скрывая при этом множество реальных связей, соединяющих современные художественные явления. Как в музейной экспозиции, искусство распределяется по разным залам идеально-эволюционной анфилады, заставляющей забывать о том, что в них представлены соратники и противники, не раз преломлявшие копья в эстетических баталиях. Синхронный анализ, позволяющий уловить актуальное значение и взаимоотношения явлений современного искусства, различных по своей социально-исторической природе, национальному характеру, идейно-художественному строю, тяготеет к тому, чтобы представить их в виде статического многообразия. Как в экспозиции выставки современного искусства, здесь наглядно раскрываются сходство и различие, связи и борьба художественных сил, но из этого никак не явствует, в каких направлениях и последовательности движется развитие искусства и происходит ли оно вообще. Позволительно заметить, что сочетание диахронного и синхронного подходов играет немаловажную роль и при изучении искусства прошлых эпох. Особенно для освещения переломного времени, например для понимания ренессансных и позднесредневековых движений, существующих в одно время. Для исследования же искусства XX века такое сочетание имеет чрезвычайное значение, поскольку в это время приобретает невиданную ранее интенсивность и сложность процесс всеобщей интернационализации художественных культур. Было бы наивным объявлять какую-либо одну причину источником глобальных историко-художественных процессов XX века. История искусства нашего века переживает на основных своих рубежах целые комплексы социальных, национальных и стилевых преобразований. Эти комплексы причин определяют этапы развития истории искусства, приобретают основоположное значение ее периодизации. Первый этап завершается в 1917-1918 годах, в эпоху первой мировой войны и Октябрьской революции в России, когда мировая художественная культура пережила принципиальный перелом. Второй этап истории искусства 20 века приносит не только сложные стилевые сдвиги. За ними стоят коренные изменения социальной структуры, а также перестройка регионального деления мировой культуры 20 века . С 1917 года формируется советская художественная культура, развивающаяся на собственной социальной основе, обретающая свою политическую функцию и стилевую направленность. По этим причинам анализ и оценка искусства народов СССР, его идеологические и художественные начала, свобода и тоталитарность, закономерности и аномалии рассматриваются в "Малой истории искусств" отдельно. Кроме того, здесь лишь бегло отмечены тенденции искусства других тоталитарных режимов, распавшихся в 1945 году. То есть эти разделы истории искусства 20 века останутся за пределами этой книги. Третий этап, начало которому можно отсчитывать с 1945 года, ознаменован рождением мировой системы искусства, включающей в себя многонациональные и национальные художественные культуры, различные по социальной структуре и многообразные по стилевой ориентации. Видоизменения, которые претерпевает мировое искусство 20 века от этапа к этапу своего развития, концентрируются в стилевых, идейно-художественных явлениях и процессах. Попытка охарактеризовать все их сразу была бы явно бесплодной - этому предмету посвящена вся книга в целом. Сейчас целесообразно отметить лишь некоторые предварительные положения. А именно, не представляется возможным определить некий общий единый стиль мирового искусства в 20 веке и расположить в едином ряду стилевой эволюции все составляющие его художественные движения. Так, скажем, фовизм либо кубизм не является следствием развития реализма рубежа XIX-XX веков или же неореализм конца 40-х годов не проистекает из абстракционизма или неоклассики 30-х годов и т. д. Более того, ни один из существующих в искусстве 20 века даже самых крупных рядов стилевой эволюции не исчерпывает собой всего его развития и не охватывает это развитие в целом. Так, например, казалось бы, привычная линия движения от постимпрессионизма к абстракционизму отвечает только одной стороне истории художественного процесса XX века. За пределами развития реализма также остается немалое число весьма существенных явлений. Очевидно, стало быть, что в мировом искусстве 20 века , как это естественно для художественной культуры переломной эпохи, в которой действуют различные социально-исторические, национальные и международные силы, развитие идет несколькими рядами. Каждому из них свойственны свои закономерности, а взаимоотношение таких рядов стилевого движения соединяет в себе диахронные и синхронные начала. Лишь в своей совокупности и взаимодействиях все они образуют историю искусства 20 века .

Можно отметить также разный характер таких стилевых движений, новых и традиционных, возрастающих и угасающих, локальных и общезначимых, глубоких и поверхностных, строго соответствующих социальным или национальным условиям, в которых они развивались, или формализованных, допускающих наполнение различным социальным содержанием и различную национальную интерпретацию. Надо быть готовым и к тому, что реальная история искусства 20 века покажет, как одни из художественных движений, возникнув взрывоподобным образом, быстро исчерпывают себя, как, например, кубизм, другие же устойчиво существуют на протяжении всех десятилетий XX века, лишь видоизменяясь на тех или иных этапах и в различных социальных и национальных условиях, как, например, неоклассика. В силу этих обстоятельств момент, когда возникает то или иное движение, далеко не всегда определяет его место в истории и художественных процессах XX века. Нередко более важную роль играет длительность жизни таких движений. Все это опять-таки составляет предмет конкретного изучения истории искусства 20 века , понимание которой сопряжено также с понятиями, имеющими гораздо более общее значение, чем свойства какого-либо художественного направления. Таким образом, надлежит вновь и вновь отдать себе отчет в историчной природе социальных, национальных, стилевых сил мирового искусства 20 века . Каждая из них и все они в совокупности являются именно историчными, а не вечными, конечными, абсолютными. Мы видим, как возникают и распадаются идейно-художественные системы 20 века, претендующие на высшее, исчерпывающее значение. В своем самообольщении они противопоставляют себя глобальным историко-художественным процессам, вычленяются из них, считают себя венцом всего социального, национального и стилевого мирового опыта искусства. С этими предостережениями мы обратимся далее к многосложному искусству 20 века .

Уважаемый читатель спрашивает:
А расскажите, что такое «современное искусство»? Только, пожалуйста, покороче, и без всяких там сложностей, теорий и концепций.

Да запросто. Вот практически в двух словах, в одном предложении точно, и могу ответить. Да так, что вы сразу запомните и никогда больше путаться не будете.

Итак, «современное искусство» - это
то искусство, которое было создано после 1960-70-х годов,
и явно отличается от классической реалистической живописи, которую мы привыкли видеть в музеях.

- Нет! «Современное искусство» - это Малевич, Пикассо, и всякая прочая непонятная фигня!

«Непонятная фигня» - это хорошая подсказка, но в данном случае дата тоже очень и очень важна.
Дата имеет значение.
Объясняю почему.
Помните, в прошлый понедельник мы разговаривали на тему ?
Вроде ничего так поговорили.
...но вот комментатор пишет: «Пикассо, Кандинский, Матисс, Малевич и другое современное искусство» .
Представьте, что вы написали пост про рок-музыку. А человек вам отвечает: «Да я все равно эту вашу современную рок-музыку не люблю, эти всякие Beatles, Doors и Queen».
Вы будете в силах продолжить с ним интеллектуальную беседу в поисках истины? и не ржать?

Если уж чего-то ненавидишь, то как-то имеет смысл понять, чо конкретно - евреев или арабов (а что, и те ж и другие семиты), тверк или танец живота (вертеть попой -- зло!), Толкиена или Стругацких (вся фантастика -- мусор!) и так далее.

Итак, чтобы иметь возможность виртуозно доказывать мне в комментариях, что я не права, все художники-мошенники, а зрители-оболванненые лохи, и так далее, запасаемся вокабулярным инструментарием, и запоминаем, что термин «современное искусство» относится к тому, что было создано после 1960-70-х годов.

- Да ну! Я настолько ретроградка, что для меня современное искусство - это лет 100-150, я и про литературу также считаю, для меня все, что лет 100-150 - современное.

Боже! Как мило вы это произносите! Вам так идет это мнение! Просто прелесть, "прелесть какая дурочка" (с), продолжайте, продолжайте, мне так интересно. А Чехов и Куприн - это тоже, получается, современные писатели по-вашему? Если вы скажете "да", то я просто потеряю голову от восторга, от вашего очарования, забуду о своей сугубо straight ориентации, и предложу вам руку и сердце. Это же так необычно (ваше мнение), так умно, так тонко!

К. Малевич. Отдых (Общество в цилиндрах). 1908
(Художник пишет своих современников, одетых по моде своего времени)

- Ну а как тогда называть всю эту мазню?

Сейчас расскажу. Существует несколько правильных слов...

- Нет! Не надо! Я не хочу разбираться в сортах говна!

Вот и славненько.
Тогда быстренько двигаем курсор в правый верхний угол экрана, нажимаем там на крестик.
Закрываем вкладку с занудной мною.
Перестаем отнимать мое время.
Ибо сказано "не мечите бисер перед свиньями" (Е.И. Млхвц, гл. IV, с.15).

Все остальные, кто хочет прокачать мышцу эрудиции, читают дальше, а потом пишут мне вопросы и комментарии, обогащенные новым словарным запасом.

Пикассо. Девочка на шаре. 1905

***
Идем по хронологии.

МОДЕРНИЗМ

Модернизм и «современное искусство» - не синонимы.
Модернизм начинается с 1860-х (со всеми вроде любимых импрессионистов), захватывает пост-импрессионистов конца 19 века (Сезанн, Ван Гог) и продолжается как раз до 1960-70-х, то есть до наступления пресловутого современного.

Но я не рекомендую использовать это слово, если честно.
Потому что еще есть всякие детали, например, считается, что еще был "зрелый модернизм" (в 1950-60-е), а потом "поздний модернизм" (до конца ХХ века), и он как бы совпадает с «современным искусством», но не на 100%. А еще же был пост-модернизм, причем одновременно... Анунафиг, забейте. Просто помните, что это не синоним.

Анри Матисс. Малая одалиска в фиолетовом халате. 1937

Зато вот теперь три «А»,
различать которые приличному образованному человеку также необходимо (и в реальной повседневной жизни настолько же пригодится), как различать Арктику, Антарктику и Австралию.

АВАНГАРД

Авангард (авангардизм) и «современное искусство» - не синонимы.

Запоминаем, как отличать:
авангард (что очень вежливо с его стороны для запоминания) начался прямо с ХХ веком, в 1900-х годах.

Авангардисты - это пионеры (первооткрыватели) всех новаторств в искусстве.
Пионерили они (шли буквально "в авангарде наступления", отсюда и название) до 1920-30-х годов.
К этому времени все самое интересное открыли, авангард и закончился.

Наталья Гончарова. Испанка с веером. 1920-е.

Все самые-самые знаменитые художники ХХ века - по преимуществу именно авангардисты. После этого периода появлялись знаменитости, но не такой сплошной грибницей, а поштучно.

Если фамилия вам знакома, и картина знаменита - 80% вероятности, что речь идет именно о представителе авангарда.
Пикассо, Малевич, Кандинский, Наталья Гончарова, Матисс, Модильяни, вот это все.

Что нарисовано - неважно, могут быть и вполне узнаваемые люди (с легким "искривлением" точки зрения), и геометрические фигуры. Писали в самом разном стиле -- тут и абстракционизм, и кубизм, и супрематизм, и лучизм, и куча всего. Это слово просто объединяет великих первопроходцев. Это характеристика временного отрезка, по большей части, а не стиль.

К. Петров-Водкин. "Купание красного коня". 1912.
и это тоже авангард, но плеваться от этого трудно. Особенность Петрова-Водкина (помимо коней-мутантов) -- специально искривленная перспектива, будто через широкоугольник снимал).

АБСТРАКЦИОНИЗМ

Абстракционизм и «современное искусство» - не синонимы.

Вот начался авангард / топ-топ-топ / довольно скоро часть авангардистов изобрели абстракционизм, остальные своими делами занимаются / пых-пых-пых паровозик едет дальше / авангард все, закончился /пых-пых-пых/ а абстракционисты все рисуют свое. Двадцатый век в разгаре, Вторая мировая война, Карибский кризис, убили Леннона, Ельцин упал с моста. А абстракционисты все рисуют свои абстракции, хотя понятно, что мэтров давно уже не переплюнуть.

Впрочем, мандалы вон не первое тысячелетие рисуют, а они что-то никак не устареют.

То есть:
художник-абстракционист может быть представителем "современного искусства", а может быть и авангардистом (Малевич, Кандинский).

Запоминаем: если на картине нарисованы геометрические фигуры, точки, линии, и нет ничего, напоминающего человеческие конечности и прочую реальность, то это абстракционизм.

Робер Делоне. Ритм №3. 1938 год

Абстракция = беспредметность = нефигуративное искусство.

Львиная доля возмущающихся «современным искусством» возмущается именно этой беспредметностью, абстрактностью.
Однако, к современному искусству совершенно спокойно относятся и вот такие вещи.

Виноградов + Дубосарский. "Чужой 2". 2010 год

АКЦИОНИЗМ

А вот акционизм - это безусловно современное искусство, но только достаточно малая его часть.
Причем подавляющее большинство возмущающихся современным искусством лезут на стенку именно от акционизма.

Запоминаем - акционизм, однокоренное со словом action (действие).
Это когда художник забил на то, чтобы писать картины и решил выйти в 3D, в реальный мир, заняться перформансами
(искусствоведы, если честно, считают, что "акционизм" и "перформанс" это немного различные вещи, и еще есть "хэппенинг", но мы же тут азбуку изучаем, а не высшую математику, так что опять забейте).

Йоко Оно и Джон Леннон. «WAR IS OVER! (If You Want It)». 1969. (фотография перформанса, во время которого супруги провели неделю в кровати в отеле, принимая журналистов, давая интервью и протестуя против войн)

Итак, ходит такой художник по городу (часто голый), что-то изображает...
Особенно бесит, конечно, то, с какой радостью об этом СМИ начинают трубить из каждого утюга. Ну им-то что, лишь бы кликов собрать, а тут такая картинка нажористая.
Пренебрегите. Не кормите своими эмоциями это чудовище - средства массовой информации.
Зачем вам эти перформансы? Они не для вас делаются, а вы, соответственно, не для их созерцания живете. Пусть это дегустирует тот, кто разбирается, как улитки или лягушачьи лапки, кому положено по специализации.

Есть лайфхак, как не тратить свое душевное здоровье на этих "психов" -- просто вычеркните слово "художник" из своего мысленного определения этих людей.
Думайте о них как об уличных мимах на Арбате, все же понятно: вот у людей работа делать что-то со своим телом и привлекать внимание.

Вот и тут тоже самое: реально это уже мини-театр одного актера, достаточно эпатажный. Считайте, что они просто переименоваться забыли, и почему-то до сих пор называют себя "художниками". Вот "Пусси Райот" - почему не так бесят, как Павленский? кроме наличия красивых сисек. Потому что называли себя "панк-рок-группой", а не "художницами".
Панкам и рокерам по закону жанра эпатаж простителен.

Представьте, что это не Павленский, а Оззи Озборн.

Тогда понятней становится, зачем он поджигает двери? Ну и все, забудьте о нем.

Сходите лучше авангардистов 1900-1920-х годов в музей посмотреть, они очень красивые.

Александр Волков. "Гранатовая чайхана". 1924

Перечисленные три понятия на букву «А», пожалуй, главное, что вызывает эмоции у зрителя. Есть еще дофига всего в 20-21 вв., но это ключевое.
Теперь вы знаете, какими словами правильно ругаться на те произведения, которые вам не нравятся.

Ну а напоследок, чтобы все окончательно запутать:
есть мнение, что «современное искусство» - это банально все, что делается прямо сейчас, в наши дни. Включая Церетели, Шилова и работников фабрики в Палехе по росписи соответствующих шкатулок. (Правда, тогда это только то, что изготовляется конкретно в 21-м веке).
А вот это непонятное и некрасивое «современное искусство» надо называть "контемпорари арт", транслитером с английского. Но это уже совсем понты.

Основные понятия и термины по теме: модерн, модернизм, фовизм, кубизм, сюрреализм, абстракционизм, супрематизм, конструктивизм, инсталляция, эклектизм, кинематограф, телевидение, массовое и элитарное искусство.

План изучения темы:

1.Новые виды искусства, художественные направления и стили.

Краткое изложение теоретических вопросов:

ХХ век - век торжества науки и человеческого интеллекта, век парадоксов и потрясений. Он подвел определенный итог развития мировой культуры. В это столетие культура разорвала узы региональной или национальной замкнутости и стала интернациональной. Мировая художественная культура интегрирует культурные ценности практически всех наций.

Характерным явлением для ХХ века стало заметное ослабление тех социальных механизмов - механизмов преемственности в культуре. Отдельной индивид стремится стать самостоятельным, не зависимым от культурных традиций, обычаев, установленных правил этикета, поведения, общения. При этом внутренняя свобода все больше заменяется свободой внешней, самостоятельность духа – самостоятельностью тела, что постепенно приводит к снижению духовности, уровня культуры.

Образную характеристику искусству ХХ века дал Ф. Ницше, утверждая, что «искусство нам дано, чтобы не умереть от истины».

Модернизм (новый, новейший, современный ) - совокупность эстетических школ конца XIX и начала XX столетия, которые характеризуются разрывом с традициями реализма.

К этому понятию близок авангард . Он объединяет наиболее радикальные разновидности модернизма. Эти понятия часто воспринимаются как синонимы. В нашей стране модернизм и авангард резко критиковались - в противовес «социалистическому реализму». Обычно эти понятия трактовались как показатель кризиса буржуазной культуры. Однако эта классовая точка зрения не выдерживает никакой критики. Модернистские и авангардистские тенденции – отличительная черта современного искусства.

Выступая против норм и традиций предшествующей эстетики, стремясь к новаторству любой ценой, модернизм в крайних своих проявлениях разрушает осмысленность художественного творчества и зачастую - шокирует. Но в своих лучших образцах модернизм значительно обогатил художественную культура человечества.

Ортега-и-Гассет: «Новые художники наложили табу на любые попытки привить искусству «человеческое». Личность отвергается новым искусством более всего. Со всех сторон мы приходим к одному и тому же – бегству от человека».

Именно Ортега - автор наиболее любопытной гипотезы об общем законе развития мирового искусства. Он считал, что искусство вслед за философией изменялось в зависимости от изменения точки зрения художника на окружающий мир – от вещественно-конкретного видения мира, через его субъективное восприятие – к господству чистых идей и абстракций.

Искусство всегда борется за то, чтобы человечество через все перипетии истории все же пронесло свое главное завоевание – духовность. Ибо с поражением и гибелью духовности поражен и гибнет, не имея более отличия от животных, и сам человек. В этом ракурсе и следует рассматривать то, что произошло с искусством ХХ века.

В ХХ веке произошел отход от традиций, в определенном смысле и слом традиций в искусстве. Но это не означает, что реализм и реалистические принципы изображения были отменены этим веком.

Авангард – пестрое созвездие школ, направлений, течений, которое ошеломляет каскадом красок и пестротой образов. Впечатление хаоса, обусловленного быстрой сменой вкуса. Любое Формула «Если так еще никогда не делалось, то это необходимо сделать».

Фовизм. Одними из первых представители фовизма определили переход от подготовки авангарда к собственно авангарду.

Главное – добиваться максимальной энергии краски.

А. Матисс - французский художник, основатель фовизма, стремился к обновлению декоративного искусства, ясность и радостная уравновешенность которого должны были, по его мнению, передаваться зрителю.

Светлое, жизнерадостное искусство Матисса. Наиболее известные произведения Матисса – «Танец» и «Музыка» (панно, написанные им в 1908 году по заказу С.И. Щукина) для декорации московского особняка известного мецената (ныне перенесены в Эрмитаж).

Экспрессионизм - «искусство кричать. Картина «Крик» Э. Мунка. «Никогда не было такого времени, потрясенного таким ужасом, таким смертельным страхом. Никогда мир не был так мертвенно нем. Никогда человек не был так мал. Никогда он не был так робок. Никогда радость не была столь мертва. Нужда вопит, человек зовет свою душу, время становится воплем нужды. Искусство присоединяет свой вопль в темноте, оно вопит о помощи, оно зовет дух. Это и есть экспрессионизм» (В. Турчин).

Экспрессионизм: от живописи до политики, от философии до музыки, от архитектуры до кинематографа, от театра до скульптуры.

Кубизм – творчество форм. Стремление геометризировать предмет, делая его форму архитектурной. Начало кубизма в работах Жоржа Брака и Пабло Пикассо.

Представители кубизма в России: К. Малевич, Л. Попова, Д. Бурлюк (общества «Бубновый валет», «Ослиный хвост» и др.).

П. Пикассо - универсальный художественный гений. Испанский художник, скульптор - величайший творец ХХ столетия. 15 тысяч картин, основатель кубизма.

«Герника» – шедевр живописи Пикассо, трудная для восприятия и анализа картина, где реальность выражена языком сложных субъективных ассоциаций.

Один из самых знаменитых рисунков Пикассо – «Голубь мира»,

Несовместимые крайности (реализм и модернизм) в творчестве Пикассо.

Абстрактное искусство. Первая абстрактная картина: А. Альфонс «Девушки под снегом» – чистая бумага, прикрепленная к картонному планшету. Традиционное абстрактное искусство начинается с 1910 года (с появлением первых изобразительных акварелей В. Кандинского).

В термине абстрактное искусство - глубокая двойственность, когда есть намек и на искусство, и на некую альтернативу. Это беспредметное искусство, основанное на абстрагировании изобразительных образов от конкретных объектов. Произведения абстракционистов представляют собой сочетание геометрических форм, цветовых пятен, линий. Для абстрактного искусства характерны две тенденции: абстрагирование образов от натуры до такой степени, что они перестают отражать действительность; чистые художественные формы, не имеющие связи с реальностью.

Первым художником-абстракционистом был В. Кандинский. Среди художников и скульпторов, развивавших это направление: П. Мондриан, К. Малевич, К. Брынкуши и др.

Сюрреализм (сверхреализм) как направление в искусстве сформировался во Франции в 20-е годы ХХ века. Это творчество – вне контроля разума. Французский поэт Андре Бретон издал «Манифест сюрреализма».

Согласно принципам сюрреализма, художник должен опираться на бессознательное, связанное со сновидениями, галлюцинациями, бредом, воспоминаниями младенческого возраста. А задача художника состоит в том, чтобы с помощью художественных средств достичь бесконечного и вечного. Свои произведения сюрреалисты строят как нечто алогичное, парадоксальное, неожиданное, как особую ирреальность.

Крупнейшим представителем сюрреализма был Сальвадор Дали.

Дали стремился создать фотографию бессознательного, достоверно запечатлеть свои сновидения, так как именно эта, не контролируемая извне спонтанная жизнь человеческого «Я» представлялась художнику подлинной реальностью. Он создает обобщенные художественные образы, выстраивает сложные, строго продуманные композиции «хаоса» болезненных видений.

Для воссоздания такого образа мира, где все разъединено разложением, необходима огромная сила трезвого ума, чтобы хоть как-то организовать этот бессмысленный абсурдный поток бытия. «Единственная разница между мною и сумасшедшим заключается в том, что я – не сумасшедший», – скажет однажды Дали.

Поп-арт - искусство популярное, рассчитанное на массовую аудиторию, легко распространяемое и массово производимое, отдающее большим бизнесом. Поп-арт – это своеобразное «искусство вне искусства». В композициях поп-арта часто используют реальные бытовые предметы (консервные банки, старые вещи, газеты) и их механические копии (фотографии, муляжи, вырезки из комиксов). Случайное их сочетание возводится в ранг искусства.

Художников поп-арта привлекал окружающий их мир массовой культуры, рассчитанной на потребление миллионов, когда эстетические и социальные ценности приравнивались к потребительским, обыденным, зачастую бездуховным. Они уничтожили иерархию образов и сюжетов. У них могли одинаково цениться и Леонардо да Винчи, и Микки Маус, живопись и технология, халтура и искусство, китч и юмор.

У поп-арта всегда есть дух массовости и вовлекаемости. Поп-арт явился первым большим течением авангарда, который был социализирован, вживлен в общество. Поп-арт вошел в кино, в рекламу, из которой сам первоначально исходил, в моду, в поведенческий тип жизни. Это преднамеренная неряшливость в одежде, ее разностильность, использование рекламных пластиковых пакетов в качестве сумок и т.д.

Лабораторные работы – не предусмотрено.

Практические занятия – не предусмотрено.

Задания для самостоятельного выполнения:

1. Подготовить сообщение «Разнообразие стилей и направлений в искусстве начала 20 века».

2. Подготовить фотогалерею репродукций с художественными примерами фовизма, кубизма, сюрреализма, абстракционизма, супрематизма.

Форма контроля самостоятельной работы:

- устный опрос,

Проверка конспекта, сообщения, фотогалереи.

Вопросы для самоконтроля